The talk/presentation will focus on musical hybridity and critical methods developed for the hybridization of electroacoustic and metal music (a part of the presenter's Ph.D. research). These methods are formed to build a blueprint for hybrid composers (ultimately not only specific to metal and electroacoustic but for other genres as well that combines spectromorphological focused music with harmony and rhythm-based music since this type of hybridity requires a unique set of challenges and complexities). Hybridity in music is a well-established and vibrant contemporary scholarly topic. Even though the current literature provides many useful terms and strategies regarding different types of hybrids, the methods for building hybrids are rare. The talk will specifically focus on the piece 'Zen of Aggression' and discuss the fruitful and problematic methods when approaching to compose a transformational hybrid (a hybrid where both genres affect each other at the deepest level in which the resulting hybrid would not sound like each of the genre-hence transformed) between electroacoustic music and metal. Different excerpts from the piece will be played when discussing the techniques and methodologies. The talk shall also briefly discuss different types of hybridity (transformational hybrid, eclecticism, polystylism, and so on), genre and its notions (their problems, their significance, and their contemporary uses), and the notion of fluidity when approaching the hybridity in music to set the context. As technology increases at a rapid rate and postmodern conditions only grow stronger as lines get blurry, hybridity has been more than a prominent musical power to embrace this current condition and reflect through what is considered music and art in the 21st century (and challenge the notions of high art and low art).

Berk Yagli (born 1999) is a Cypriot guitarist, composer, and producer. His mission with his music has been to talk about social, political, and philosophical matters interestingly to invite the listeners into reflecting on the topics. He has been active in the UK for the past six years due to his education in Music and Sound Technology (University of Portsmouth), Masters in Composition (University of Sheffield), and currently at the University of the Arts London working under Adam Stanovic for his Ph.D. topic hybridity between metal and electroacoustic music. During his master's, his main focus has been electroacoustic music composition, and currently, he is studying and working on the potential hybridity of electroacoustic music with metal music. He also composed, produced, and released a cinematic/epic social commentary progressive metal album ‘Symphony of Humanity’ in 2021. His works have been presented in Europe, Asia, North and South America including Ars Electronica Festival (Linz, Austria), Espacios Sonoros (Salta, Argentina), New York City Electroacoustic Music Festival (New York, US), International Computer Music Conference (Limerick, Ireland), Seoul International Computer Music Festival (Seoul, South Korea), Sound Junction (Sheffield, UK), Convergence-De Montfort (Leicester, UK), BFE/RMA Research Student’s Conference (Plymouth, UK), Research on Contemporary Composition Conference 2022 (Georgia, US), Sonic Matter Festival 2022 (Zurich, Switzerland), International Confederation of Electroacoustic Music (Krakow, Poland), WOCMAT Conference 2022 (Taipei, Taiwan), SEAMUS (New York City, US), MOXSonic Festival (Missouri, US), Earth Day Art Model Festival (Indianapolis, US), Vu Symposium (Utah, US), Unfolding Narratives (London, UK), NoiseFloor (Staffordshire, UK), Perspectivas Sonoras (Morelia, Mexico), Audiomanzia Festival (Padova, Italy) and more. He is regularly invited to compose his music in studios throughout the world including VICC-Visby International Centre for Composers (Visby, Sweden), CMMAS- Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (Morelia, Mexico), Studio Kura (Fukuoka, Japan), and ACA-Atlantic Center for the Arts (Florida, USA). He also recently won the 2022 18th WOCMAT Phil Winsor International Youth Computer Music Competition Award (for his composition 'Ideological Distortion') (Taipei, Taiwan) as well as received the second prize award for his composition ‘The Cycle of Life and Decay’ on the 6th International ”New Vision” Composition Competition (New York, US).

В своем исследовании я постарался указать особенности использования современными композиторами алгоритмов игры в музыке. Под алгоритмами игры я понимаю не только правила игры, но и игровую стратегию, типологию игры. Так, например, в рассмотренной мной пьесе «Новая пьеса» Алексей Наджарова, игра привносит в уже без того шуточное настроение пьесы свой игровой тип – забаву. А в пьесе Я. Кириакидеса «Mnemonist S» правила игры предопределяют музыкальное составляющие пьесы и тем самым работают на общую идею пьесы. А вариант использования стратегии игры, я показал на примере пьесы М. Байля «Blackjack», где основной идеей является создание состязательного состояния, в котором пребывают игроки во время игры.
Таким образом я попытался показать возможности использования алгоритмов игры в создании музыкального произведения. Примеры, на основе которых строится мое исследование, далеко не исчерпывают всего потенциала использования алгоритмов игры в музыке. Для меня было важно рассказать о том, что игры в музыке не заканчиваются на алеаторическом способе создания музыки, путем бросания кубиков, как это было у Моцарта.

Николай Дуденков
г. Москва
С 2020 года учится в Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского на научно-композиторском факультете, специальность — «Музыковедение».
Сфера деятельности и/или исследовательских интересов: междисциплинарный подход к исследованию музыки, трансмедиальная нарратология.

В докладе рассматривается роль live-electronic в создании драматургии на примере «Anthèmes II» pour violon et dispositive electronique Пьера Булеза. В 1995 году композитор обращается к ранее  написанному сочинению «Anthèmes I» для скрипки соло (1991) добавляя live-electronic. 

На тематическом уровне электронная часть произведения обеспечивает дополнительную информацию слушателю, идентифицируя каждый тематический комплекс. Распределяя звуковой материал в пространстве, композитор добавляет еще один слой для восприятия драматургии. Так звуковысотным центром композиции становится нота «D4», а в пространстве – расположенная на сцене акустическая система в позиции «F». В «Anthèmes II» можно отметить взаимодействие двух пластов: акустический солист и его электронный двойник, который периодически поддерживает солиста гармонически (аккомпанируя), а иногда вступает с ним диалог.

Проводя параллели с «Anthèmes I», подчеркнем сходства: мотивы, структурная организация материала, форма и драматургическая направленность. Live-electronic порождает возникновение второго солиста, увеличивает пространственный охват, уплотняет основную линию солиста, добавляет большую дифференциацию тематическим комплексам, а также поддерживает драматургию и форму произведения.

Short presentation about historical cases of hyperinstrument design aiming to create the perception of a hybrid acoustic/synthesis sound. Relevant design features of these cases are discussed. Finally, the author presents the results of a series of experiments placing exciters on three different instruments to analyze the acoustic response of the instruments’ bodies when outputting audio signal through the exciters. These three instruments were recorded playing simple long tones. These recordings were later reproduced using the exciters placed on different places around the bodies of the instruments. The resulting audio was then compared with the original recordings in order to find the most optimal locations for the placement of the exciters and gather data that will help design a set of low-cost devices that can be easily mounted on regular acoustic instruments with the goal to turn them into hyperinstruments without further modifications.

Елена Букирева
г. Нижний Новгород
Образование: ННГК им. М.И. Глинки, ассистент-стажер II курса кафедры композиции и инструментовки (искусство композиции). Научный руководитель: профессор Присяжнюк Денис Олегович.
Место работы и должность: ННГК им. М.И. Глинки, ассистент кафедры музыкально-информационных технологий.

Подвергаясь  различным электронным модификациям,  звучание человеческого голоса приобретает в современной электроакустической музыке определенный набор свойств, который эстетически соотносится с концепциями транс- и постгуманизма.

Центральной для этих двух направлений является идея о том, что человеческое тело и опыт могут быть расширены и изменены с помощью технического прогресса. В музыке это реализуется различными средствами. Так, постгуманистический подход заключается в том, чтобы расширить человеческий голос с помощью акустических систем, устройств усиления звука, синтезаторов, вокодеров и различного ПО. Трансгуманизм больше проявляется в создании нового звукового опыта и, помимо использования технологий, предполагает также обращение к искусственному интеллекту и виртуальной реальности. Кроме того, эстетика трансгуманизма связана с исследованием телесности и, следовательно, может быть выражена в музыке через поиск новых способов репрезентации тела и эксперименты со слушательским восприятием.

В качестве музыкальных примеров для анализа были выбраны перформативная пьеса «Anima» Александра Шуберта, музыкально-театральная постановка «Ask Ada» Янниса Кириакидеса, пьеса «Three studies for two voices» Алессандро Перини и «#AsPresentAsPossible» Бригитты Мунтендорф. Также рассматриваются работы Памелы Зи, Питера Аблингера, Кейширо Шибуя  и Элвина Люсье.
В основе исследования лежит междисциплинарный подход, сочетающий обзор философского дискурса, изучение музыковедческой и технической литературы, а также музыкальный и нарративный анализ. В частности, работа апеллирует к публицистическим и научным материалам, которые посвящены проблематике постгуманистического дискурса и его проявлению в современном искусстве. Музыкальные примеры анализируются через соотношение нарратива и способов работы с голосом, классифицируются по принципу схожести технических, эстетических приемов и проявляющейся в них функции голоса.  

Несмотря на размытие границ в самих концепциях пост- и трансгуманизма, нарративные и стилистические аспекты, выявленные в рассмотренных музыкальных примерах, показывают, что голос является центральным элементом их эстетики. Кроме того, в результате взаимопроникновения реального и цифрового миров, вызванного современным техническим прогрессом, уникальные черты голоса нивелируются, подводя к переосмыслению темы телесности и переопределению человека в новом аналогово-цифровом пространстве.

Анастасия Цуканова. Санкт-Петербург.
Выпускница Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова (Оркестровый факультет, скрипка, класс профессора А.Г. Станга) и факультета Свободных искусств и наук СПбГУ (научный руководитель: В.С. Орлов). Исполнитель, преподаватель, междисциплинарный художник и исследователь. Участник фестиваля современной академической музыки «Игры с классикой» и Международного фестиваля Новой музыки «Звуковые пути». Экс-участник коллективов, исполняющих современную академическую музыку: {instead} ensemble и Tempora Orchestra.

Меркушева Анна. Новополоцк (Беларусь).
Закончила бакалавриат факультета Свободных искусств и наук СПбГУ, траектория «Музыка» (научный руководитель: В.В. Раннев). Область исследовательских интересов: российская современная музыкальная критика, музыкальная танатология и визуализация музыки. Занимается проектной (музыка + театр) и преподавательской деятельностью (постановка голоса, сценическая речь, ораторское мастерство). Участница спецкурса для музыковедов на XIII международной академии молодых композиторов в г. Чайковском.

Язык Csound исторически является одним из самых первых языков компьютерной музыки. Он был разработан в начале 80х годов минувшего столетия. Будучи прямым потомком языка MUSIC, Csound унаследовал многие его черты, что дает возможность почувствовать стиль программирования музыки в те годы. Не смотря на солидный возраст, Csound сегодня является активно-развивающимся языком со значительным количеством виртуальных модулей. Csound может работать практически на любом устройстве - от студийного Apple до портативной Raspberry Pi. Возможность создавать на основе Csound собственные VST-плагины обеспечивает дополнительный интерес к нему.

Csound обладает широким инструментарием средств для синтеза и обработки звука, алгоритмической композиции, алеаторики, микрохроматических строев.  Мастер-класс Глеба Рогозинского, доктора технических наук, профессионального программиста Csound, направлен на практическое знакомство с программированием музыки, понимание логики работы с Csound и преодоление начальных проблем у желающих программировать компьютерную музыку.

Путём трансмедиального перехода музыкальная пьеса для бас-кларнета стала компьютерной игрой на выставке в галерее. Полиритмическая структура ударов и скрипов лодки стала первоосновой нескольких сочинений, каждое из которых представляет из себя попытку передать сообщение в другой системе кодирования и формирует новые смыслы. С позиции автора есть редкая возможность при помощи методов семиологии сравнить результаты с изначальным сообщением, отметив слабые и сильные стороны мультимодальности и интерактивности. Синтагматика мерных повторяющихся звуков способствует, по мысли Лотмана, формированию внутреннего монолога «Я – Я», в то время как интерактивная игра вовлекает в азартный процесс достижения цели, что вступает в некоторое противоречие. В то же время в обоих случаях слушатель остаётся один на один с собой и звуком.

Также в статье отмечаются технические особенности работы с Unreal Engine, 4D Cinema, Blender и Arduino для мультимедийных композиторских проектов. Виртуальное пространство позволяет создать невозможные в реальности объекты, наследующие признаки разных систем: кларнет-лодка, звук-мяч, ухо-остров. Моделирование законов физики достаточно непредсказуемо перемещает объекты сцены, выходя из-под контроля автора. Музейный вариант отличается от standalone-версии сокращённым временем интеракции со зрителем, что потребовало изменения правил и параметров игры. Отдельно отмечается важность текстовых сообщений, объясняющих зрителю средства и суть процесса, в котором его приглашают поучаствовать.

Михаил Пучков родился в Москве в 1984 г. Окончил с отличием композиторский факультет Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского в 2008 г. Композитор, теоретик, программист, педагог. Научный сотрудник Центра междисциплинарных исследований музыкального творчества Московской консерватории. Автор акустических и электроакустических музыкальных композиций, мультимедийных звуковых программ-инсталляций. Изобретатель и исследователь 26-ступенного неоктавного колокольного строя.

Сайт: https://insonic.space
Канал: https://t.me/insonicspace
YouTube: https://www.youtube.com/@busidoremikle

Междисциплинарный исследовательский проект  «Роботургия» — это размышление о взаимодействии человека с созданным им объектом — роботом, являющимся продолжением творческой мысли, реализованным в виде абстрактного электромеханического существа. Название Роботургия сочинено как синтез смыслов Робот и Драматургия. Создание робота является частью сочинения драматургии спектакля. Робот не является антропоморфным, не повторяет в своей конструкции и образе никаких живых существ, и так же не является промышленным механизмом, он не способен выполнять никакой работы кроме как быть участником спектакля. Драматургия строится на противопоставлении живого танцора и хореографа машине, созданной авторами спектакля специально для этого и не предназначенной для других применений. 

Авторы проекта — композитор, саунд-артист и медиахудожник Олег Макаров, хореограф и танцор Владимир Ермаченков, медиахудожник и инженер Василий Ёлшин рассказывают о возможностях взаимодействия человека и машины, их схожих чертах и фундаментальных различиях.

Доклад посвящен исследованию возможностей применения математических моделей теории динамического хаоса и процедурных базисных  функций в мультимедийной композиции, на примере сочинения “танцы странных аттракторов” которое реализовано в среде Max/Msp/Jitter. Странные аттракторы – это динамические системы, описываемые нелинейной системой дифференциальных уравнений, обладающие необычными свойствами. Например, невозможно точно предсказать развитие системы даже при незначительных изменениях начальных условий. Графическое представление таких систем представляет из себя необычные, красивые геометрические формы и узоры фрактальной природы которые трудно сформировать другими способами. Но из за того что на странных аттракторах трудно построить какую то драматургию, во второй версии патча были использованы, похожие по графическому представлению, но более стабильные и контролируемые процедурные базисные функции. В Jitter такие функции реализованы объектом  jit.bfg. Итак, основа патча с визуальной стороны – это две стохастические процедурные базисные функции в зависимости от каждой из которых генерируется некоторая геометрическая структура с определенными динамическими цветовыми характеристиками. Со звуковой стороны – это два шестизвучных аккорда. Спектральный состав аккордов и распределение по панораме частей спектра определяется формой и расположением геометрических структур о которых сказано ранее. Таким образом образуется два аудио-визуальных комплекса как бы противоположных друг другу и одновременно друг друга дополняющих.

Появление нейросетей и искусственного интеллекта дает новые возможности для композиторов и медиахудожников: частичного или полного генерирования (музыкального) текста. Однако, это влечет за собой проблему авторства: какова роль художника в создании произведения и какую функцию выполняет ИИ?

Немецкий композитор и медиахудожник Александра Шуберта в своем недавнем сочинении "Anima TM" продемонстрировал опыт использования ИИ для создания музыкальной композиции, основные аспекты которого являются предметом данного исследования. Методология исследования включает подходы различных сфер: методы, применяемые в программировании и спектроморфологии, используются для анализа звукового пространства пьесы; герменевтический и семиотический – для выявления его содержательной сути.

«Anima TM» представляет собой виртуальную реальность, управляемую ИИ. Текст и все звуковое пространство произведения сгенерированы с помощью программ, использующих ИИ: GPT-2, Цепи Маркова, Singular Spectrum Analysis («Гусеница)», TensorFlow, WaveNet, а также инструменты, разработанные совместно с IRCAM, которые позволяют максимально приблизиться к аналоговому звучанию путем анализа исходных звуков. Интересно, что использованные инструменты в хронологическом порядке могут представить историю развития технологий ИИ в сфере звука и музыки.

Основные выводы исследования: Роль композитора методе заключается в создании установок, в которых, с помощью ИИ в качестве инструмента, формируется цифровая реальность. Таким образом фокус композиционной стратегии смещается с материала на установки, его формирующие – аналог параметров в сериальном методе. ИИ имеет двойственное значение в данном сочинении. С одной стороны он автор текста, с другой - символическая единица, представляющая мир технологий. Драматургия произведения выстраивается на сопоставлении двух эстетически разных вариантов виртуальности. Первый – эксплицитно цифровой, холодный язык технологии, для создания которого применяются более примитивные инструменты синтеза, исключающие использование конкретных звуков. Второй вариант – имплицитно цифровой, приближенный к аналоговому миру, в котором нейросеть пытается максимально приблизиться к звукам музыкальных инструментов и речи человека. Парадокс восприятия заключается в том, что на контрасте с первым, эксплицитно техногенным звучанием, второй – имплицитный – воспринимается как разрушение виртуальной реальности, однако и то и другое в любом случае остается виртуальным: создается «обман разного уровня».

Тест Роршаха выявляет ассоциации, возникающие при разглядывании чернильного пятна неопределенной формы. Но явления психологической проекции наблюдаются в равной мере и при восприятии звуков. Проект Джо Бэнкса, в который входит книга и звуковые инсталляции,  демонстрирует парадоксы человеческого восприятия, интересные как для звуковых исследований, так и для философии науки, антропологии и арт-критики. В первую очередь это присущая человеку склонность во всех звуках различать прежде всего звуки человеческого голоса.

Подзаголовок книги – «”Искусство и иллюзия” для звука» – отсылает к одной из главных книг по визуальным иллюзиям в искусствоведении Эрнста Гомбриха, в основу которой он положил свой опыт противодействия аудио-иллюзиям и аудио проекциям, работая консультантом по радиопрослушке (в Би-Би-Си) во время войны. Идея книги Гомбриха сводится к тому, что каждый человек – не только творящий, но и воспринимающий искусство – занимается творчеством.
Но актуальность проекта Бэнкса определяется не столько упорядочением фактов психоакустики, сколько последними тенденциями в звуковых исследованиях, к которым относятся растущий интерес к иммерсивности, эмбиенту и к так называемым «earworms» (навязчивые мелодии). Все они вписываются в традицию представлений о звуке как способного проникать в человеческое сознание помимо воли слушателя.

Напротив, проекты, подобные проекту Бэнкса, не позволяют нивелировать слушателя. Парадоксальным образом, именно обнаруживаемая здесь ненадежность, иллюзорность слухового опыта подчеркивает активную роль слушателя. Такой взгляд на слушателя необходим для развития как электроакустики, так и гуманитарных наук в целом.

Рассматривается задача о построении отображения обертонового ряда в высотные классы пифагорова строя (корректное определение высотных классов натурального звукоряда). Для построения такого отображения предлагается использовать частный случай среднетоновой темперации — конформную темперацию [1]. Важная особенность, используемая при построении конформной темперации, заключается в том, что спектр приводится в согласование со строем. Для этого мы немного изменили подход, изложенный в монографии [2]. Параметризуем частоты обертонов звука с помощью одного параметра. Пользуясь диссонансной кривой (см. [2]), определяем возможные интервалы строя. Новая чистая квинта, т.е. интервал, соответствующий отношению между частотами третьего и второго обертонов, фактически является параметром, от которого зависят частоты всех обертонов спектра. Выбираем новый строй, совместимый с новой параметризацией, исходя из возможных интервалов. Таким строем оказывается среднетоновая темперация. Подбираем параметр так, чтобы все возможные интервалы соответствовали новому строю. Это достигается за счет соотношения между новой натуральной мажорной терцией и новой натуральной чистой квинтой. Мы получаем среднетоновую темперацию с новыми свойствами — конформный темперамент. Наиболее интересный выбор параметра определяется требованием: «новая» натуральная мажорная терция должна совпадать с пифагоровой (четыре «новые» квинты минус две октавы). При таком выборе параметра появляется свойство: конформная темперация одновременно совпадает и с пифагорейским, и с 5-предельным строем. Выражая частоты обертонов через полученный параметр, получаем соответствующие высотные классы. Так как каждый высотный класс среднетоновой темперации соответствует единственному высотному классу пифагорова строя, а каждый обертон с номером соответствует единственной гармонике, мы получаем отображение натурального звукоряда (ряда гармоник) на высотные классы пифагорова строя.

В докладе рассматриваются разные стратегии работы с семплами в произведениях композитора Симона Стена-Андерсена (1976, Дания-Германия). Автор продолжает развивать идеи конкретной инструментальной музыки — направления, появившегося у немецкого композитора Хельмута Лахенмана. При работе с классическими инструментами Стен-Андерсен часто использует расширенные приемы игры, максимально приближая их звучания к используемым семплам. Вместе они воспринимаются сбалансированно и однородно. В качестве семплов могут рассматриваться не только звуковые фрагменты, но и видео. У композитора встречаются видео без оригинальных аудиодорожек, их озвучивание происходит вживую с помощью инструментов, как в пьесе Asthma (2017) для аккордеона и видео. В TRIO (2019) для оркестра, биг-бэнда и хора в качестве семплов выступают короткие видео со звуком. Наиболее интересный подход к работе с семплами реализован в Piano Concerto (2014) для рояля, семплера, оркестра и видео, где Стен-Андерсен использует два инструмента. На одном из них пианист играет во время концерта, а другой служит своеобразной библиотекой семплов.

Ирина Севастьянова — музыкальный журналист, куратор, лектор. Научный сотрудник Центра электроакустической музыки Московской консерватории. Соавтор и соведущая подкаста о современной музыке «фиолетовый снег». Сокуратор фестиваля современной музыки Gnesin Contemporary Music Week.

Выпускница РАМ имени Гнесиных, специальность – музыкальная журналистика. Окончила курс «Кураторские практики в музыке» Высшей школе искусств ArtEZ (Зволле, Нидерланды).

Гурин Константин Львович
Город: Москва
Образование: МФТИ, ФОПФ
Сфера исследовательских интересов: Применение математики в теории музыки

Авторы доклада предлагают ознакомиться с уникальным опытом создания лекционно-практического курса, посвящённого проблемам изучения и написания электроакустической музыки.  Образовательно-просветительский проект под условным названием «Северная музыкальная лаборатория электроакустики» (СМЛЭ) был начат студентами 4 курса Петрозаводской государственной консерватории им. А.К. Глазунова, Юрием Фроловым и Юрием Петровым,  в феврале 2023 года.

Созданный в условиях отсутствия специального предмета по изучению феномена электроакустики (его нет в учебных программах большинства направлений за исключением композиции), курс направлен на популяризацию электроакустической музыки в студенческой среде. Целевая аудитория курса: студенты консерватории разных специальностей, студенты других учебных заведений Петрозаводска. Цель курса: знакомство с  историей, эстетикой электроакустики, а также освоение её методов на практике.

В ходе работы авторами были применены методы наблюдения и систематизации, которые позволили собрать и проанализировать данные, следующие из опыта проведения лекционных занятий (привлечение участников и их организация, тематика лекций, отбор материалов); планирования работы практикума по электроакустической композиции (круг используемых специальных компьютерных программ и технологий); организации концертной деятельности (создание сочинений и организация выступлений). В докладе представлена статистика посещений лекций и концертов, приведены примеры обратной связи (как от участников занятий, так и от слушателей концертов), намечены дальнейшие планы по развитию курса. Проведен анализ текущей работы проекта, выявлены трудности, связанные с решением ряда объективных задач: курс на данном этапе не встроен в образовательную парадигму, что влечет проблемы с посещаемостью; имеются проблемы с поиском финансирования и достойного технического обеспечения.

В качестве выводов приводятся промежуточные результаты, позволяющие считать запуск проекта успешным (с февраля по август 2023 состоялся лекционный курс по истории и эстетике электронной музыки и три концерта в  Петрозаводске, планируется проведение практических занятий с участниками курса с октября по декабрь и концерт из их сочинений в декабре 2023), зафиксирован рост интереса к электроакустической музыке (на основе увеличения числа зрителей концертов и слушателей лекций СМЛЭ).

Фролов Юрий Павлович, студент 4 курса Петрозаводской государственной консерватории им. А. К. Глазунова по специальности «Искусство концертного исполнительства: фортепиано», класс профессора, кандидата искусствоведения, Заслуженного деятеля искусств Российской Федерации, Заслуженного деятеля искусств Карельской АССР, В.С. Портного.

Образование: колледж при Петрозаводской государственной консерватории им. А.К. Глазунова по специальности «Инструментальное исполнительство: фортепиано».
Сфера деятельности: педагогика, исполнительство и электроакустическая композиция.
Город: Петрозаводск, Республика Карелия.
Место работы: Театр кукол Республики Карелия.

Петров Юрий Михайлович, студент 4 курса Петрозаводской государственной консерватории им. А.К. Глазунова по специальности «Композиция», класс профессора, доктора искусствоведения, Заслуженного деятеля искусств Республики Карелия, Члена Союза композиторов СССР, Б.Д. Напреева.
Образование: Петрозаводский музыкальный колледж им. К.Э. Раутио, по специальности «Музыкальное искусство эстрады».
Сфера деятельности: композиция, педагогика, электроакустическая музыка.
Город: Петрозаводск, Республика Карелия.
Место работы: Петрозаводский музыкальный колледж им. К.Э. Раутио, отделение «Теории музыки».
Научные руководители доклада и кураторы проекта: кандидат искусствоведения, доцент, заведующая кафедрой теории музыки и композиции Петрозаводской государственной консерватории им. А.К. Глазунова Копосова Ирина Владимировна, преподаватель кафедры теории музыки и композиции Сырбу Марина Николаевна.

Несмотря на то, что о гранулярном синтезе сказано уже очень много, а число гранулярных синтезаторов, возможно, исчисляется десятками, по нашему мнению потенциал этого вида синтеза далеко не исчерпан. В нашем докладе мы сосредоточимся на гранулярном синтезе именно как на создании нового звука, а не на «грануляции», т. е. создании звуковых текстур, чему посвящено большинство программ гранулярного синтеза. Мы рассмотрим некоторые эффекты такого подхода, в частности, переход от тона к звучанию,напоминающему исходный звук. Это делает возможным «quasi-вокодер»: исходный звук предстаёт перед нами «окрашенным» тоном с частотой повторения гранулы.

«Гранулярный вэйвшейпинг» — своеобразный гибрид этих двух видов синтеза. Можно трактовать вэйвшейпинг как взаимодействие двух звуков, где первый управляет фазой второго. Тогда в качестве управляющего сигнала и передаточной функции используются две синхронизированные гранулы. В результате «гранулярный вэйвшейпинг» — это как бы гранулярный синтез, «умноженный надвое». Здесь параметры гранулярного синтеза могут получить новую интересную трактовку.
Однако, если один из сигналов — линейная функция, результат вэйвшейпинга аналогичен второму сигналу. Мы воспользовались этой особенностью, создавая в разных пропорциях микс из линейной функции и какой-то иной формы волны для каждой из взаимодействующих гранул. Это позволило осуществлять плавный переход от одного звука к другому. Из-за нелинейности процессов вейвшейпинга получающиеся промежуточные звучания нельзя свести к простому микшированию. Этот процесс мы описали как «гранулярный шейп-морфинг».

Технически все эти виды синтеза были осуществлены в изобретённом нами формате «MMMM», позволяющем в рамках Max-MSP создавать стандартизированные синтезаторы, гибко работающие с микрохроматикой
и управляемые с MIDI-клавиатуры. Этот формат мы хотели бы также презентовать в рамках нашего доклада.

Евпак Евгения Геннадьевна, г. Москва. Аспирантка 3-го года обучения Аспирантской школы по искусству и дизайну НИУ ВШЭ, специальность: «Искусствоведение», научный руководитель: доктор культурологии, кандидат искусствоведения, профессор Института медиа НИУ ВШЭ Новикова Анна Алексеевна. Исследовательские интересы: история цифровой музыки, трансформация деятельности композитора в эпоху нейросетей, сторителлинг и нарративные практики в массовой музыкальной культуре. Сфера деятельности: композитор, приглашённый преподаватель Школы дизайна НИУ ВШЭ (автор-разработчик и преподаватель курсов: «Музыкальное продюсирование и аранжировка в Ableton Live», «Авторское право в цифровом музыкальном стриминге»), основатель студенческого рекорд-лейбла Media Sharks.

Сковородников Пётр Юрьевич, г. Москва. Образование: Аспирантская школа по искусству и дизайну НИУ ВШЭ (2021 г.); Московский государственный институт электроники и математики (МИЭМ), специальность «WEB-Дизайн» (2010 г.); ГМУ им. Гнесиных, специальность «Инструментальное исполнительство - кларнет» (2004 г.). Место работы: НИУ МФТИ Физтех-школа бизнеса высоких технологий (ФБВТ), руководитель направления. Исследовательские интересы: исследователь феномена Нет-арта, автор курса «История сетевого искусства»; исследователь и экспериментатор во взаимодействии музыки и сетевых технологий; основатель и руководитель музыкального коллектива HSE Design Orchestra.

Доклад посвящён последнему крупному сочинению и «манифесту» творчества итальянского композитора Фаусто Ромителли – видео-опере «An Index of Metals» («Каталог металлов», 2003) для сопрано, ансамбля, нескольких проекций и электроники. В создании этого сочинения принимали участие видео-художники Паоло Пачини и Леонардо Ромоли. В качестве RIM работал Франческо Джоми, а текст принадлежит Кенке Лекович. В первой части исследования основное внимание сосредоточено на взгляде Ромителли-спектралиста и его понимании звука как результата синтеза электронных и акустических звуковых источников. Вопрос звукового восприятия Ромителли ранее исследован другими авторами и чётко сформулирован самим композитором, поэтому в данной работе мы лишь обобщили имеющиеся сведения. Вторая часть посвящена анализу конкретных примеров из видео-оперы и осмыслению полученных результатов. Изначальная опора на слуховые ощущения и дальнейшее подробное рассмотрение аудио-эффектов при помощи методов спектрального анализа позволили выявить принципы взаимодействия электронного и акустического пластов в видео-опере «An Index of Metals». Также были рассмотрены общие композиторские принципы Ромителли относительно работы с материалом. Полученные результаты работы могут стать основой для последующего анализа других электроакустических сочинений композитора и его последователей.

София Кодесникова – студентка 3 курса музыковедческого факультета Санкт-Петербургской консерватории. Основная область исследовательских интересов связана с музыкой XX-XXI веков: минимализмом, спектрализмом, микротональностью, а также изучения взаимосвязей музыки с другими видами искусства. Научный руководитель – доцент, кандидат искусствоведения Е.Ш. Давиденкова-Хмара.

Live coding with lick-the-toad. LTT (https://lick-the-toad.netlify.app/) is a networked music system that combines machine learning capabilities in the browsers of computers and mobile devices. The system was designed to serve as a hybrid tool for various contexts, such as an interactive sound web application, a sound installation, and a toolkit to generate data for live coding sonification. For this presentation, live-generated sound events and the distribution of real-time data from LTT will become the raw material for live coding performance using SuperCollider, a state-of-the-art language for algorithmic composition.

Konstantinos Vasilakos (https://konvas.netlify.app/about/) originally from Athens, Greece, was born in 1980. With a Master’s degree and Ph.D. in music technology, his academic journey has been marked by a profound dedication to exploring the intersection of technology and art. Over the course of a decade, he has cultivated expertise in live electroacoustic and computer music improvisation. Konstantinos’s innovative research focuses on human-machine interaction and the optimization of generative systems for live electronic music composition. His work has pushed the boundaries of interactive sound, resulting in captivating projects like ”Dark Matter” and the ”Interactive Physics Sonification System” (IPSOS), which bridge the worlds of science and art. As a lecturer, Konstantinos imparts his extensive knowledge to students, offering courses that cover a spectrum of sound-art-related disciplines. His academic record and publications in prestigious conferences, such as NIME, ICMC, ICLC, and ISMIR, and journals such as Computer Music Journal, underscore his expertise, making him a valued asset of Istanbul Technical University’s Center for Advanced Studies in Music (MIAM) spearheading the Sonic Arts department.

Известно, что для получения по сигналу его спектра используется преобразование Фурье, но одним из ярких свойств этого преобразования является аналог принципа неопределённости Гейзенберга: чем более локализован во времени сигнал, тем более размазан его спектр. Этот факт позволяет преодолеть границу между тонами (звуками с узкой спектральной полосой) и шумами (с широкополосным спектром) путём порождения коротких сигналов (от 1 до примерно 20 периодов) и размазывая их с помощью сильной реверберации, которая сохраняет амплитуду каждой спектральной составляющей, но меняет фазу. В докладе будет продемонстрировано воплощение этой идеи с помощью программ Audacity, Reaper и MaxMSP.

Дмитрий Баженов
Москва, Россия
Механико-математический факультет МГУ имени М. В. Ломоносова
(2014-2019), научно-композиторский факультет МГК имени П. И.
Чайковского (2019-2024; 5-й курс)
Низкоуровневый вычислительный синтез звука, микротоновая музыка
Аспирант механико-математического факультета МГУ.

Доклад посвящен проблемам, связанным с анализом гармонии в электроакустических композициях, и возможным практическим вариантам решения тех или иных из них. Пожалуй, самыми насущными становятся следующие положения: особая форма бытования опусов (их фиксация в виде аудиофайла или программного кода) и как следствие отсутствие графической нотации. Такие экстремальные для классического музыкознания условия уже на уровне простого существования, наличествования композиций составляют существенную проблему для аналитической работы. На примере анализа пьесы Кайи Саариахо Jardin Secret I мы проследим пути решения этих задач и попытаемся сформулировать принципы гармонии для данной пьесы.

Предлагается заполнить лакуну в российских исследованиях и рассмотреть творчество Дзиги Вертова с точки зрения искусства звука.

К этому нас подталкивает тот факт, что именно Вертова признали своим предтечей зарубежные электроакустики, назвав цитатой из Вертова «Поэзия реальности» спецвыпуск журнала Contemporary Music Review, посвященного использованию записей реальных звуков в музыке и включавшего статьи таких признанных композиторов, как Люк Феррари, Барри Труа, Джон Эпплтон, Жан-Клод Риссе и других. После «Симфонии Донбасса» Чарли Чаплин восторженно назвал Вертова музыкантом. Дуглас Кан в своей знаменитой книге по истории звука в искусстве убедительно доказывает, что Вертов являлся в первую очередь звуковым художником, обратившимся к киномонтажу исключительно по техническим причинам. То есть к авторитету Вертова прибегают всякий раз, когда используемый в творчестве звук не теряет свои референциальные связи с реальностью и при этом является источником поэзии – аспект, немало дебатируемый во всех видах искусств, использующих звук (кинематограф, музыка), с самого возникновения звукозаписи.

Перефокусировав анализ наследия Д. Вертова, мы одновременно решаем несколько задач: расширяем круг имен в истории российской электроакустики, расширяем диапазон исследований творчества Вертова; обращаем внимание на то, что он по-разному теоретизировал киноискусство с одной стороны и звукозапись с другой.

Полина Дроняева
Москва
Аспирант кафедры философской антропологии философского факультета МГУ им. Ломоносова, науч.рук. дфн. Д. П. Козолупенко
«Философско-антропологические аспекты изучения звуковой среды человека»

Настоящий доклад посвящён рассматрению основных техник, позволяющих использовать широчайший спектр всевозможных систем темперации в различных направлениях электроакустической музыки. Также, здесь даётся краткий исторический очерк развития европейских систем темперации, начиная с античной эпохи и до наших дней, приводятся методики расчёта частот тонов на разных ступенях, как равномерно, так и неравномерно темперированных звукорядов, приводится обширный статистический материал, сделанный на основе математических расчётов и сведённый в таблицы. Основными методами исследования в рамках доклада являются сравнительный анализ, синтез и обобщение.

По мнению автора, в XX веке, в процессе расширением границ новой музыки, проблема освоения систем темперации ранее нехарактерных для европейской музыки утратила свою остроту. Например, так и не был разрешён вопрос о наличии функциональных тяготений между более мелкими ступенями октавы, нежели полутон (в том числе внутри микрооктавы). Одной из возможных причин такого положения является значительное неудобство первых микрохроматических музыкальных инструментов, как акустических, так и электроакустических, трудности с достижением высокоточной и устойчивой настройки. Современные музыкальные технологии, преодолевшие указанные недостатки, позволяют не только вернуть данный вопрос в поле творческого эксперимента или научной дискуссии, но и дают богатый материал для музыковедов, исследователей, реконструирующих древнюю или средневековую музыку. Данные технологии также могут с успехом применяться в вузах в педагогических целях.

Дмитрий Всеволодович Соколовский родился в 1975 году в городе Красноярске. В 2001 году окончил Красноярский государственный педагогический университет имен В.П. Астафьева с двойной специальностью «История» и «Психология».

Работал звукорежиссером в Красноярском государственном театре оперы и балета. Основал Молодежную экспериментальную студию электронной музыки (Красноярск). Преподавал на кафедре звукорежиссуры Красноярской государственной академии музыки и театра (ныне Сибирский государственный институт искусств имени Дмитрия Хворостовского), где в том числе вел авторские курсы «История и теория электронной музыки» и «Теория синтеза и трансформации звука», занимался научными исследованиями в данных направлениях.

В настоящий момент работает на должности заместителя директора по научно- методической деятельности Красноярского краевого научно-учебного центра кадров культуры. Своей миссией считает содействие развитию современных направлений звукового искусства.